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Au cours d’une carrière musicale de 50 ans, il a promis de le faire. Qu’a-t-il fait? C’est difficile à dire par par où commencer Que diriez-vous …
- Publishing YMCA
- Gérer une agence de musique à 360 degrés 40 ans avant tout le monde
- Pionnier du crossover hip-hop aux États-Unis
- Découvrir Will Smith
- Aider Radiohead à conquérir les États-Unis
- Inventer la sonnerie
Oui, Simon est le Zelig de l’industrie musicale, et pas seulement parce qu’il est petit et porte de grandes lunettes. les tendances de la grande industrie musicale du dernier demi-siècle et vous trouverez Simon à proximité.
Il a tout vu. Non, il a tout fait. Et, plus extraordinaire encore, il le fait toujours.
La plupart des anciens cadres de la musique, quand ils atteindront l’âge de la retraite, ils loin de l’industrie.
Ils choisissent une vie plus calme. Beaucoup déchirent la scène d’aujourd’hui: les musiciens sont des ordures; Les enfants n’ont pas d’attention. Non, Simon. Il est trop occupé à organiser des tournois de sports électroniques en Indonésie ou à revoir les tendances des chaussures de sport dans Sneakercon. Il travaille sur une plateforme pour organiser des concerts de réalité virtuelle.
Il a des réserves illimitées d’énergie et de curiosité. En fait, ce sont ces mêmes qualités qui ont délocalisé le jeune Simon hors d’Afrique du Sud (les mots de sa mère résonnant dans ses oreilles) au Royaume-Uni en 1975. À Johannesburg, Simon et son partenaire commercial, Clive Calder, avaient été des pionniers du industrie de la musique
Ils ont réalisé une maison de disques, Bullet Records. Mais ils étaient aussi des chercheurs de talents, des éditeurs et des promoteurs de concerts. À leur arrivée au Royaume-Uni, ils ont simplement fait de même. Ils ont formé le groupe d’entreprises Zomba. C’était une entreprise à 360 degrés quatre décennies avant que le terme ne soit inventé.
« Nous n’aimions pas ça. Nous sentions que nous savions tout faire. Nous étions des musiciens et des cadres. Et nous avons travaillé plus dur que tout le monde. »
Ralph Simon
« C’était une époque où tout le monde restait dans sa voie », explique Simon. « Nous n’étions pas comme ça. Nous sentions que nous savions tout faire. Nous étions des musiciens et des cadres. Et nous avons travaillé plus dur que tout le monde. » Zomba a grandi et grandi. Simon et Calder ont bientôt sorti leur propre label, Jive. Au début des années 80, ils ont emmené Zomba et Jive aux États-Unis.
Une extraordinaire période de succès s’ensuit. La liste de Jive comprenait des artistes pionniers du hip-hop tels que DJ Jazzy Jeff et The Fresh Prince, Whodini et Tribe Called Quest, et, plus tard, des groupes pop adolescents comme Backstreet Boys, NSYNC et Britney Spears. En juin 2002, BMG Entertainment a acheté Zomba et ses actifs pour 2,74 milliards de dollars.
C’était, et c’est toujours, la plus grande entreprise de l’histoire de l’industrie musicale. Mais à ce moment-là, Simon était sorti. Il avait heurté Calder trop de fois. « Nous avions de profondes différences éthiques sur la manière de faire des affaires », dit-il.
« Nous étions comme des frères. Mais je sentais que je ne jouais plus au jeu. Je n’étais pas content et je devais être heureux de faire mon meilleur travail. Je partirai. Nous n’avons pas parlé depuis 29 ans. »
Ensuite, Simon n’a reçu aucun de ces 2,74 milliards de dollars (il avait vendu sa part à Calder plus d’une décennie plus tôt pour un montant non divulgué). Mais il avait, dit-il, la capacité de dormir la nuit. Et quitter Zomba l’a laissé libre de chercher de nouvelles idées créatives. Cela a conduit aux sonneries, aux sports électroniques, à la réalité virtuelle et plus encore …
Tout a commencé pour vous et Clive Calder à Johannesburg dans les années 1970. Comment vous êtes-vous rencontrés?
Je jouais du piano dans un groupe appelé The Bassmen. Nous étions un groupe de juke-box humain. Les gens nous ont embauchés pour des mariages et un bar à mitsva, etc. Ils diraient: pouvez-vous jouer Whole Lotta Love? Oui! Pouvez-vous jouer à Hello Dolly? Il n’y a pas de problème!
Nous ferions n’importe quoi. J’ai fait les réservations et la promotion du groupe. J’ai toujours eu une mentalité d’entreprise comme ça. Clive jouait de la basse dans un groupe rival. Johannesburg était petite. Il n’y avait pas beaucoup de scène musicale live, donc nous nous connaissions tous. Enfin, Clive a obtenu un emploi A&R chez EMI, puis j’ai commencé à travailler avec lui.
Comment était l’industrie de la musique sud-africaine à l’époque?
C’était très conservateur. La scène tournait autour des clubs et des résidences. Il s’agissait d’obtenir des actes comme Liberace et Val Doonican pour des périodes de trois mois. Le marché était contrôlé par la famille Grade qui, à l’époque, faisait de même dans les villes côtières du Royaume-Uni. J’ai un peu travaillé comme agent pour eux. Le rêve était de faire venir Tom Jones. En 1968, j’ai gagné une bourse pour étudier à New York.
Une fois arrivé, j’ai passé tout mon temps à Blue Note et Filmore East. J’ai vu Blood Sweat & Tears et Joe Tex et Sam & Dave et les Jackson Five. C’était le paradis. La scène musicale était très excitante. C’était juste après Woodstock, donc quand je suis retourné à Johannesburg, j’ai contacté Clive et lui ai dit que nous devrions organiser des festivals en Afrique du Sud. Nous avons fait des événements dans ce qui était alors la Rhodésie et le Mozambique. Évidemment, nous n’avions pas de grands artistes internationaux. Mais personne d’autre ne le faisait.
Comment cela a-t-il mené au démarrage d’une étiquette?
Nous étions très entreprenants. Mais ce qui a tout changé, c’est de rencontrer Mutt Lange. Je faisais des jingles dans une station de radio. Il avait beaucoup de compétences, nous l’avons donc embauché pour être le producteur de la maison de notre label, Bullet.
La plupart de nos artistes étaient noirs. Ils étaient plus talentueux et intéressants que les numéros blancs de l’époque. Nous avons signé un gars du nom de Richard Jon Smith et avons demandé à Mutt d’écrire et de produire pour lui. C’était comme la Stevie Wonder d’Afrique du Sud. C’était une superstar.
Pourquoi avez-vous décidé d’aller au Royaume-Uni?
La politique empire: Mandela est en prison; C’était assez sombre. Nous avons fait signer Richard Jon Smith avec Polydor au Royaume-Uni et nous avons sorti quelques singles. C’était le lien. Nous sommes partis en 1975.
Et ce fut le début de Zomba …
Oui. Nous avons amené Mutt à travailler en tant que producteur. Personne d’autre ne faisait ça à l’époque: la gestion des producteurs. Deux cadres fantastiques nous ont donné une chance, Nigel Grainge dans Mercury et Simon Draper dans Virgin. Nigel nous a donné City Boy à gérer, ce qui nous a aidés à former une société de gestion.
Peu de temps après avoir établi des études et des salles d’écriture, etc. Nous n’empruntons pas d’argent. Nous venons de tirer les plus grandes avancées que nous pouvions des labels. Les avances ont tout financé. Mais la grande opportunité est venue lorsque nous avons commencé à publier, grâce au YMCA.
Quelle est l’origine de cet accord?
Nous avons rencontré ce type Henry Belolo dans la rue quand nous étions au Midem à Cannes. Il a eu cette idée pour un groupe qui comprenait les cinq archétypes de la vie américaine: le policier, le travailleur de la construction, etc. Il voulait cibler la communauté gay parce qu’il a calculé qu’il y avait 25 millions de personnes gays aux États-Unis seulement. Nous avons entendu une démonstration du YMCA dans un Walkman au bord de l’eau. Nous avons conclu un accord là-bas pour être l’éditeur britannique de Village People (photo).
C’était le début de notre activité d’édition. Peu de temps après, nous avons signé Def Leppard et Iron Maiden et d’autres. Ce fut une période intéressante. Le punk commençait à se produire, et il y avait beaucoup d’artistes autour qui ne comprenaient rien à la publication.
Les éditeurs établis ont surtout ignoré ces nouveaux groupes. Nous sommes donc allés voir des gens comme Dave Robinson à Stiff et avons promis de travailler plus fort que tout le monde. Nous avons établi une joint-venture avec Dave et publié Elvis Costello, Wreckless Eric, Lene Lovich et d’autres numéros de Stiff. Deux ans plus tard, nous avons commencé Jive. Il était logique pour nous de créer un label. Nous l’avions déjà fait en Afrique du Sud.
Donc, vous faisiez vraiment tout à ce moment-là …
Nous avions une immense confiance en vous. Nous étions des cadres et des musiciens, donc nous savions comment les différentes parties fonctionnaient: comment trouver du talent, développer le talent, travailler sur du matériel, le promouvoir.
Nous voulions posséder tous les aspects de la chaîne. C’était le modèle 360 avant son existence.
Qu’est-ce qui a provoqué le déménagement aux États-Unis?
Nous avons trouvé un avocat nommé Alan Grubin, qui représentait Village People et Madonna. Il connaissait tout le monde et nous a vraiment ouvert de nombreuses portes. Enfin, Clive Davis nous a donné une pause en acceptant de distribuer Jive via Arista. Cela a conduit à un accord avec BMG. Je pense que Clive a aimé le fait que nous étions des cadres créatifs. Nous vénérons des gens comme Ahmet et Nesuhi Ertegun, qui comprenaient la musique et pouvaient jouer un rôle constructif dans la promotion des talents. Nous voulions être comme ça.
Avez-vous rencontré des résistances d’artistes?
Non, bien au contraire. Ils l’aimaient. Ils ne recevaient ce genre de soutien actif de personne d’autre. La plupart des cadres ne l’ont pas fait à cette époque.
Avez-vous été juste avec vos actions?
Rétrospectivement, nous aurions dû être beaucoup plus justes. Nous étions réputés être très bons dans ce que nous faisions, mais nous nous sommes toujours assurés d’avoir un traitement favorable pour nous. Nous suivions le modèle de Herb Albert et Jerry Moss dans A&M. Leurs artistes les aimaient, mais toutes les offres étaient à 90% [royalties to the label] avec toutes les réductions d’emballage et ainsi de suite.
Herb et Jerry se sont assurés d’obtenir une offre incroyablement avantageuse pour eux. Quand nous avons appris que Daniel Miller dans Mute partageait des redevances avec des artistes, nous ne pouvions pas le croire. De plus, nous étions serrés. Nous étions célèbres pour cela. Cela a fonctionné pour nous, mais pas toujours. Nous venons de perdre U2. Nous ne les paierions pas assez.
Quel a été votre grand succès aux États-Unis?
Nous avons eu Mutt un concert de production avec Foreigner; Cela a commencé les choses. Mais le succès qui a vraiment établi Jive a été Caribbean Queen de Billy Ocean. La chanson a commencé comme American Queen, et nous n’avons pas pu la diffuser à la radio. Mais ensuite, Laurie Jay, qui était le manager de Billy et le père du chef de l’Universal United Kingdom, Joseph Joseph, a déclaré que de nombreux Américains partent en vacances dans les Caraïbes, alors pourquoi ne le changeons-nous pas en Caribbean Queen?
Ça a marché. Toutes les saisons ont commencé à y jouer. Il est intéressant de noter que si vous écoutez la chanson, elle est entièrement basée sur Billie Jean. La structure, le rythme. C’est quelque chose d’autre que nous avons appris de grands labels comme Atlantic: quand il y a un énorme succès, dites à vos scénaristes, faites quelque chose comme ça!
Billy Ocean est devenu une star mondiale …
Énorme. Peu de temps après Caribbean Queen, j’ai pu rencontrer Michael Douglas. Nous nous entendons. Je cherchais une chanson pour The Jewel of the Nile, et j’ai suggéré When The Going Gets Tough, The Tough Get Going. Mutt avait vu quelqu’un dans une chemise qui disait: Quand ça va dur, ça va faire du shopping. Nous avons changé les mots et les scénaristes ont proposé cette chanson pop incroyable. Michael l’a prise, et évidemment cette chanson est devenue un autre grand succès.
Qu’est-ce qui a provoqué le passage de Jive au hip-hop?
Nous avons eu une femme faisant des vidéos à Jive appelée Ann Carli. Il avait une grande sensibilité visuelle et était vraiment lié aux artistes hip-hop émergents. Elle a dit: Vous devez signer ces personnes.
Cela nous a amenés à signer Whodini, Tribe Called Quest, KRS-One et, plus tard, Will Smith, qui enregistrait en tant que DJ Jazzy Jeff et The Fresh Prince (photo). Nous avons lancé Parents Just Don & # 39; t Understanding et il est devenu le premier véritable succès du crossover rap / pop.
Quand les choses ont-elles commencé à s’effondrer dans votre association avec Clive Calder?
À la fin des années 80, il est devenu de plus en plus difficile de travailler avec lui. À mon avis, il avait abrogé l’esprit d’une association qui avait connu beaucoup de succès. Nous avons eu de profondes différences éthiques sur la façon dont les choses devraient être faites avec les gens de l’entreprise. Il y a eu une série d’incidents qui n’étaient tout simplement pas corrects.
Peu importe la qualité du train de salsa, l’esprit d’entreprise était important pour moi. J’ai décidé, comme Winston Churchill l’a dit: « Avec ça, je ne le mettrai pas ». C’était incroyablement difficile. Mais cet événement profond, cet effondrement de deux décennies d’association, m’a conduit à déménager à San Francisco. Et cela s’est avéré être le plus incroyable.
Des années plus tard, Calder a vendu Zomba à BMG pour 2,74 milliards de dollars. C’est toujours la plus grande vente de l’histoire de l’entreprise. Comment avez-vous procédé?
Eh bien, je m’y attendais. Je savais qu’il y avait une vente à l’horizon parce que Clive était toujours une «tête de pain». Il a fallu beaucoup de temps pour s’en remettre. Mais il ne pouvait pas être emprisonné pour analyser pourquoi. Il avait vu beaucoup de gens amers. En fin de compte, vous devez dormir la nuit. Être à San Francisco a aidé. Vous apprenez qu’il y a toujours quelque chose de nouveau à l’horizon. C’était ma bouée de sauvetage.
Qu’est-ce qui était si convaincant à San Francisco à cette époque?
Je me souviens d’avoir parlé au grand Mo Oberstein, et il m’a dit de toujours faire ce que vous aimez, quelque chose qui sera une voie vers l’avenir. Mais quand je lui ai dit que je déménagerais à San Francisco, il n’a pas compris. Il a dit que rien ne s’était passé à San Francisco depuis les années 1960. Mais j’avais un sentiment à ce sujet. J’ai créé une entreprise éditoriale et signé avec Carole King.
Il avait un studio à Sausalito, dans lequel Metallica avait enregistré. Mais surtout, j’ai rencontré la communauté créative de la Silicon Valley. J’ai été surpris par l’esprit de pouvoir le faire. C’était très tôt C’était avant Google, quand il s’agissait d’Intel, de Cisco et de Hewlett Packard. Mais il y avait tellement de créativité dans l’air.
Comment cette vision est-elle devenue une entreprise?
En 1993, j’ai reçu un appel de Gary Gersch, président du Capitol, me demandant d’être vice-président exécutif. J’ai dit que je le ferais si je pouvais développer une division mondiale de nouveaux médias pour la société mère EMI. J’ai beaucoup voyagé, j’ai réalisé comment les jeunes utilisaient les téléphones, surtout au Japon et en Corée. Et j’ai commencé à voir comment il pourrait y avoir un nouvel amalgame de musique et de technologie.
Ce fut une période assez courte au Capitole …
J’étais là depuis un peu plus de deux ans. C’était mémorable. J’ai aidé à résoudre un différend de 12 ans avec les Beatles. Nous invitons George Martin à venir à Capitol Tower pour lancer The Beatles Live At The BBC. Il a dit: « Sur mon cadavre! » Il s’est avéré qu’il n’avait jamais pardonné au Capitole d’avoir refusé de libérer Please Please Me.
Mais je l’ai fait venir. Il n’est pas entré dans le bâtiment, mais il a laissé des traces dans le béton à l’extérieur du Guitar Center sur Sunset Boulevard. Au final, je ne pouvais pas m’occuper du monde de l’entreprise. Cela m’a rendu fou. Nous avons eu beaucoup de succès au Capitole. Nous avons cassé Radiohead et The Beastie Boys. Nous avons vraiment réalisé les bénéfices les plus élevés du label. Mais ils voulaient encore 10% de plus l’année prochaine. Je ne pouvais pas le supporter. J’ai recommencé à chercher l’esprit.
C’est à ce moment-là que vous êtes devenu le « père de la sonnerie » …
Ce n’était pas vraiment juste. Le titre est resté, mais je n’étais pas responsable. J’ai trouvé une équipe de quatre personnes à Los Angeles qui m’a vraiment captivé. Ils s’appelaient Your Mobile (plus tard Moviso), et ils avaient une technologie de sonnerie. Ils ont vraiment compris le mécanisme de transport pour mettre du contenu sur des appareils mobiles.
J’avais une croyance aveugle en eux, alors j’ai investi. Ensuite, nous avons dû nous adresser à toutes les sociétés de télécommunications et les convaincre qu’elles avaient besoin de contenu créatif et que la musique pouvait être une excellente source de revenus pour elles. Avec neuf jours d’argent restant, nous avons obtenu un contrat pour être le seul fournisseur de sonneries pour Cingular, qui est devenu plus tard AT&T. Cet accord nous a sauvés.
L’industrie musicale at-elle soutenu pendant cette période?
Non! Les éditeurs de musique étaient totalement résistants. Ils ne pouvaient pas le voir. C’était l’époque de Napster, et ils pensaient que nous étions des pirates. EMI nous a poursuivis pour 25 millions de dollars pour James Bond et Pink Panther. Ma mère était furieuse.
Heureusement, nous avions une assurance et un bon avocat. Il a convaincu EMI que nous n’étions pas des pirates et a accepté de conclure un accord pour 150 000 $, ce pour quoi nous étions assurés. Après cela, nous avons obtenu la licence EMI. Il y avait un avocat interne nommé Jody Graham. Elle a adoré l’idée et nous a donné les droits des Beatles et Norah Jones et tout le monde. Elle était la première.
Qu’est-il arrivé à Moviso?
Il a été acheté par Vivendi, par le même type qui avait également acheté MP3.com. L’équipe qui a lancé l’entreprise a voulu en profiter. Ils travaillaient depuis 10 ans à l’époque.
Depuis, vous vous êtes lancé dans la technologie …
Je suis fasciné par ce qui anime la culture. C’est pourquoi je m’intéresse tellement aux jeux vidéo: Clash of Clans, League of Legends, Supercell. Je suis impliqué dans une série de jeux liés aux affaires. Récemment, je officiais dans le premier tournoi de sport électronique en Indonésie. L’énergie! C’était comme être au Rainbow Theatre en 1977 avec The Jam and Siouxsie and the Banshees! J’ai continué à avoir des flashbacks.
Que pensez-vous de l’état actuel de l’industrie musicale?
Eh bien, la production est ouverte à tout le monde maintenant, donc il y a beaucoup plus de créativité mais aussi beaucoup plus de médiocrité. C’est pourquoi l’industrie a besoin de plus de gens comme feu Nigel Grainge. Ce fut une grande perte. Le grand A&R est vraiment un art, et il n’y en a pas beaucoup. C’est nécessaire parce que les artistes ont plus d’occasions de prendre le contrôle de leur propre matériel et ont un public mondial.
Le monde est tellement accessible maintenant. Depuis 10 ans, j’essaie d’amener les managers à persuader leurs artistes de jouer une chorale en bahasa, tagalog ou hindi. Le public veut de gros crochets partout dans le monde. Il y a un artiste étonnant en Inde appelé Arijit Singh. Je devrais écrire quelque chose avec Ed Sheeran. Ce serait quelque chose.
Sur quelles idées musicales travaillez-vous actuellement?
Je développe un merveilleux projet appelé The Virtuosos avec le grand homme A&R Rick Blaskey. Nous y travaillons depuis deux ans. Nous avons trouvé les jeunes musiciens les plus incroyables du monde entier, beaucoup d’entre eux sur YouTube. Ce sont les meilleurs des meilleurs: un prodige du piano de neuf ans de Chennai, un jeune bulgare qui joue de la guitare comme Mark Knopfler.
Nous développons leur carrière et développons une série télévisée pour eux. Il s’agit véritablement d’une découverte en ligne, associée au développement d’artistes anciens. Nous participons également à des concerts de hologrammes. Nous travaillons en étroite collaboration avec les personnes qui ont réalisé le projet Roy Orbison.
De nombreux vétérans de l’industrie mépriseraient ces nouvelles idées. Pas toi. Pourquoi êtes-vous si ouvert d’esprit?
Deux raisons? Tout d’abord, ma mère m’a dit: « Ne sois pas un être humain. Sois un être humain. » J’y crois. Deuxièmement, je n’ai que cette curiosité créative. Cette affaire concerne ce qui va suivre. A toujours été. En 1979, nous voyions encore des gens avec des chemises AC / DC. Nous suivons. Et cela a conduit Mutt à produire l’album Back in Black. Aujourd’hui n’est pas différent. Vous devez vous demander: puis-je voir ce qui suit? Et si je peux, ai-je le courage de faire une paire de bob?
Cet article est initialement paru dans le dernier numéro (Q4 2019) de la publication trimestrielle premium de MBW, Music Business UK (photo), qui est maintenant disponible.
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